L’impatto del regolamento europeo sugli stock inerti e la risposta viscerale dell’artigianato romano. Diario di un’ossessione sartoriale nata nel 2009, dove la ferita del tessuto si trasforma in un manifesto d’identità collettiva.

C’è qualcosa di squisitamente ironico nel vedere i vari consigli d’amministrazione delle multinazionali del tessile riscoprire improvvisamente l’amore per l’usato e il restyling tessile, se Karl Lagerfeld diceva che “la moda è un gioco che deve essere consumato rapidamente”, oggi paradossalmente ci troviamo in un momento in cui il sistema si colloca nella bizzarra posizione di chi ha mangiato troppo in fretta e non sa più come digerire i piatti avanzati.

Ma mettendo da parte i vari romanticismi da catalogo, la questione degli abiti invenduti è una voragine industriale spietata. Le stime ufficiali dell’Unione Europea ci ricordano che ogni anno una quota compresa tra il 4% e il 9% di tutti i prodotti tessili immessi sul mercato viene distrutta prima ancora di essere indossata, in pratica una montagna di abiti nuovi di zecca — tra le 264.000 e le 594.000 tonnellate — sacrificata al macero o all’inceneritore solo per non inflazionare il valore del logo sul mercato. A tentare di arginare questo grosso casino economico è intervenuto il Regolamento europeo ESPR (Ecodesign for Sustainable Products Regulation), imponendo alle grandi imprese lo stop definitivo alla distruzione del deadstock. Ma laddove i manager rispondono a colpi di decreti, fogli Excel e burocratici piani di riciclo chimico delle fibre, il sistema-moda scopre che la vera via di fuga non è solo industriale, ma soprattutto identitaria.

L’unica vera soluzione al collasso della serialità potrebbe essere quello della customizzazione. Intervenire sul già esistente quindi, il che significa smettere di trattare il vestito come merce inerte e restituirgli un’anima emotiva, trasformando così l’eccedenza logistica in un oggetto di culto desiderabile e irripetibile. A Roma, questa transizione si respira sulla pelle e sui marciapiedi grazie a Sara e Luka (Lavoriincorso). Con l’inaugurazione del loro terzo spazio ufficiale a Testaccio, in via Marmorata 93 — che si somma alle ormai storiche stanze di Rione Monti e alla complicità a Trastevere —, la coppia si impone così come l’esempio urbano più vivo, lucido e pulsante di questa rivoluzione visiva. Sara e Luka dimostrano che la manipolazione artigianale può farsi  un manifesto culturale, dimostrando che in un mondo saturo di copie conformi, l’unico vero lusso rimasto è l’ossessione per il pezzo unico.

Li abbiamo intervistati per capire come – nonostante tutto – la strada continui a riscrivere le regole del gioco.

Nel mondo del cool hunting cerchiamo sempre la scintilla prima che diventi di massa. Oggi l’Europa vieta ufficialmente la distruzione dei capi e tutti i grandi brand sembrano correre a fare upcycling. Il vostro brand parte da questo, e avete iniziato quando ancora nessuno ci credeva. Quando avete capito, prima di tutti gli altri, che il futuro della moda era smantellare il passato anziché produrre il nuovo?

Già dal 2009 avevamo capito che il futuro della moda era smantellare il passato per produrre qualcosa di unico e originale. Abbiamo iniziato customizzando giacche e t-shirt. La nostra prima giacca iconica, il vero capostipite del progetto, è stata quella con Sid Vicious disegnato interamente a mano su tutta la superficie del tessuto. In questo modo potevamo far rivivere un capo che non veniva più utilizzato, dandogli una traiettoria completamente nuova.

Fino a poco tempo fa, i media mainstream associavano la moda sostenibile a un cliché minimalista e un po’ noioso, ignorando che la vera avanguardia dell’upcycling è sempre stata bold, visiva e profondamente punk. Il vostro stile si inserisce perfettamente in questa tradizione di ribellione consapevole. Secondo voi, perché il linguaggio della provocazione visiva è da sempre il mezzo più efficace per dare una seconda vita (e un nuovo significato) ai capi?

La provocazione visiva è un mezzo potente ed efficace per dare un significato a dei capi che, semplicemente, non hanno più una personalità. Ogni abito diventa intrinsecamente ribelle e all’avanguardia se viene rimodellato con stile. Non si tratta solo di riciclare, ma di dare una scossa estetica.

Da cacciatrice di tendenze, se devo indicare il vostro pezzo cult dico subito: il blazer d’archivio stravolto dalle grafiche street. È il perfetto contrasto tra eleganza borghese e cultura di strada. Quando scovate una giacca vintage, qual è quel dettaglio (o magari quel difetto) che vi fa dire: “Ok, questa diventerà un pezzo unico pazzesco”?

Ogni giacca modificata viene lavorata con cura millimetrica e ogni difetto, per noi, può essere il traino esatto per inventare un nuovo modello. Non nascondiamo la ferita del capo, la usiamo. Ad esempio, un banalissimo bottone mancante può diventare lo spunto sartoriale perfetto per tagliare il tessuto e creare un blazer croppato.

Trovare un brand che unisce una forte visione commerciale a un’autentica manifattura artigianale è rarissimo. Voi siete una coppia nel lavoro e nella vita: come riuscite a bilanciare la parte più tecnica e sartoriale con l’istinto puramente distruttivo e creativo del custom? Chi mette l’ordine e chi il caos?

Il nostro lavoro è un perfetto disordine: l’unico stato mentale possibile per realizzare dei blazer che ricordano l’attitudine degli anni ’80. Certo, la parte sartoriale è più studiata, rigorosa e perfezionista, mentre la parte destroy è totalmente istintiva, creata di getto. Ma la verità è che noi due collaboriamo costantemente per generare qualcosa di inedito: entrambi mettiamo ordine e caos nello stesso momento. Per questo amiamo definire le nostre creazioni come delle “perfette imperfezioni”.

I vostri store non sembrano semplici negozi, ma piuttosto dei club o laboratori aperti. Che tipo di community state intercettando in questi quartieri romani? È gente che cerca l’investimento sul pezzo unico o una nuova tribù urbana che vuole distinguersi dalla massa?

Il nostro concetto di negozio — che ci piace definire “thissacrante” — cerca deliberatamente di essere un’alternativa radicale al solito store standardizzato. Intercettiamo clienti di ogni fascia d’età, persone unite dalla capacità di osare con lo stile. Per alimentare questo legame proponiamo la customizzazione sul momento e la personalizzazione su richiesta, trasformando l’acquisto in un’esperienza relazionale.

Appare chiaro quindi che la customizzazione sta uscendo dalla nicchia e anche i colossi del lusso iniziano a replicarla. Da trend forecaster la domanda sorge spontanea: come si fa a scalare un business basato sul pezzo unico senza rischiare di perdere l’anima? Qual è il segreto di Saraeluka per rimanere per sempre un fenomeno autentico e non una moda passeggera?

La customizzazione per noi nasce da un fatto biologico: riutilizzare capi che, senza il nostro intervento, non avrebbero avuto più alcun futuro. In questo modo tutto rivive con un’anima profondamente punk chic. Il nostro unico segreto è non fermarsi mai: stare al passo con i tempi e pensare costantemente a cosa creare un domani.

Sembra chiaro ed evidente quindi quanto la lezione che arriva dai laboratori romani di Sara e Luka è limpida e priva di sconti per il mercato, l’upcycling non si industrializza con le catene di montaggio.

C’è poco da tentare di addomesticare il restyling, le loro “perfette imperfezioni” sono testimoni oculari di quanto il valore di un abito possa risiedere ancora nella capacità di abitare e accettare anche il difetto. E se i grandi brand continueranno a produrre scarti e provare a normarli per decreto, la strada – fortunatamente – continuerà a trasformarli in arte.